VHB - TEXTOS

2010-10-26T20:17:00.000-07:00

2010-09-18T19:33:00.000-07:00

SOBRE LA ESPACIAL VACUIDAD

La contemporaneidad, la vida mas allá de lo habitable, lo palpable del residuo social en su estado de vorágine perecedera, concibe un constante desecho, un estado residual del objeto y las ideas, una particular debacle que genera liviandad, lo efímero como producción que busca resituarse y reponerce en el vacío. Sintomatología del arte actual inserto en procesos mediales de constante reciclamiento ideológico y formal, lo inacabado, lo vacuo de sentido, lo expectante de connotación alienado en una idea de cientos de variables asentadas en las opciones subjetivas, los conglomerados de seguimiento ideológico, las tribus urbanas, las actitudes autoreferentes recogen esta deriva en cuyo arrastre se cruzan las maneras de hacer, entender y producir un acontecimiento creativo estimulado justamente por la “inmensidad de un espacio imaginario”, el terreno basto a ocupar aun no resuelto , la posibilidad frágil de definir esa ocupación provee el cambio de localización del arte, este se reinstala y propone las nuevas estrategias. Una idea de toma y enclave, de fundación de un nuevo efímero con la connotación contemporánea de lo fugaz.

El acto pasajero como una noción del arte de inmediatez que propone una proyección de productos que se expanden para colmar, llenar o reemplazar a modo de prótesis sociológica una filtración en el sistema que se constituye en materia elocuente de las mecánicas de mercado actual, su agotamiento y fatiga en el tiempo estableciendo este otro espacio como sitio y lugar humano. La consecuente pérdida como derrotero destinado a los sistemas comunicantes atenta esta instancia de ingravidad, el sentimiento de la obra romántica se estrella hacia la urbe como modelo de una búsqueda incapaz de invadir los espacios reales de discordia, los campos de lucha mediática, física y cognoscente. Al parecer este nuevo campo baldío propone extraviar por un lado las posibilidades de ser participes de un acontecimiento concreto de sociedad, pero por otra parte oxigena una evacuación inconsciente de contenidos paralelos, espacios semánticos extraños, recluidos en un lugar cualquiera que no posee formas conocidas, sin direcciones, sin limites aprendidos.
La obra expande sus mecánicas y sus tensores al linde de la lógica y el inconsciente pero ahora situada desde otra perspectiva, recostada en la intención y en la actitud con la inestabilidad y fragilidad de los procesos, mas que una certeza de constituirse en algo ya constatado.

El proyecto terreno vago plantea situar a seis artistas a trabajar desde este sitio
expandido, instalando sus discursos formales y conceptuales en una poética que linda entre una visualidad particular y un espacio relativo del campo social, entendido como el sitio emocional y mental de las especulaciones y alcances de relación del arte actual, sus posibles y probables. Se establece una línea paralela de investigación y especulación en sus propias producciones plásticas que abordan desde diferentes disciplinas (pintura, objeto, instalación, audiovisual) un concepto inserto en un sistema económico y social que determina los comportamientos de una sociedad contemporánea en sus manejos, usos y desechos como índices que organizan los grandes sistemas productivos, los cuales se constituyen en las descargas propias de las grandes urbes, ya no como desperdicios alternativos sino como campos de especulación, proclives a su ocupación no solo en lo real de la expresión sino como un terreno de pruebas que se extrapola a las propuestas visuales de cada artista.

VHB

2010-03-10T18:12:00.001-08:00

2009-09-18T19:18:00.000-07:00

BITÁCORA EN LAS OSCILACIONES

Situación. La obra contemporánea con su matriz en las vanguardias, posee una especial ductibilidad, la capacidad de mutar, cambiar de piel con fecunda facilidad, apertura encomendada por los resabios de una posmoderniad tardia, pero que imprime en las producciones actuales la permeabilidad osmótica de los estilos, lenguajes y medios. Un transito promiscuo por la carótida del arte retro-alimentando en libre albedrío las grandes demandas actuales del escenario artístico.
Este entramado polisémico, hablando de multiplicidad, es el que soporta la obra de K.kemper permitiendo definir en esta una característica bicéfala, en términos de movimiento y articulación de obra y en los emisores referenciales que sitúan su salida en espacios crípticos , soslayados en una sugerencia imaginaria que latiguea en arcadas de víbora la tangencialidad entre una experticia de lo humano, su entorno antropológico y la fantasía tremebunda de un real empírico, algo que llamaría el ser revolcado en las cosas.
Desde este canal subyacente Kemper tiza una línea, azul-constructiva- que cruza tres puntos primordiales de producción: la pintura, el video, la instalación. Triangulando operaciones alternadas que al trasluz de la niebla, veladura natural de las emociones pedestres, interactúan en la fricción de la caricia, la juntura y el choque brutal de una experiencia que va de un moderato andante en la tradición estilística, a una especulación espacial de instalación multimediática en increcendo. Proponiendo la contractura medial como iniciativa del hacer en deseo pleno, en pulsión directa a una génesis subjetiva, sin perder de vista la controvertida isométrica de la producción contemporánea.
La obra por tanto remite deberes con su propio ser y este situado en el remarcado de “obra de arte” con el contenido universal permitiendo y proponiendo entramar en esta trilogía una partitura de trabajo atonal en la forma, pero armónica en su núcleo contenedor, referenciando frenéticamente cada proceso corporal, espacios insterticiales de su reinvención diaria de mundo.
Cito:

"Nosotros percibimos el mundo exterior “siempre distinto”, porque se separa del instinto que en cada momento prepondera en nosotros; y como este también crece y desaparece como algo vivo, y no es permanente, nuestra sensación del mundo exterior en cada momento, por pequeño que éste sea, está siempre”deviniendo” y “pareciendo”, es decir, cambiando.
Nuestra conciencia cojea y observa intermitentemente. Este defecto es la fuente que nos hace creer en cosas, y que admitamos algo permanente en el devenir, y también de que creamos en el yo"

Friedrich Nietzsche.

Hospedada en la definición de una transvanguardia-post, esto lo cito por retribución histórica solamente, la obra pictórica de Kemper repone, restituye desde el gesto y la diversidad significante una incontinencia corporal, desalojo residual de la figsionómica de los sueños, articulación expresionista de una anatomía de estilos depositaria de la mácula de las vanguardias, sintonizando una relectura permisible a ser soporte de existencia, del lugar opaco de los ojos viendo hacia dentro, los paisajes del espíritu humedecidos en sus propios fluidos. En letanías de color, de iconos, de figuración y símbolos retraídos a su propia génesis, constitución original.
La morfología ambigua destinataria de todos los intro, refiriéndose a las miradas más crípticas del objeto de arte y sobre este, determina una secuencia de imágenes y formas que discursan una narrativa de la fémina en plenitud promiscua con sus co-relatos pictóricos.

Lo interracial cautivo en la figuración erótica, el sexo y la impronta empírica de la fragilidad corpórea como alegoría a los despojos de la propia piel hirviente, grabada en ilusiones connotativas sobre el soporte.
Todos estos atisbos de lo imaginario, aparcados en las tundras espesas de la memoria y los sueños conjurados aquí en cuerpo de obra, novelan el deseo, del deseo mismo, la tolerancia cadenciosa de las ideas y las pulsiones.
La pintura existe para Kemper, en la narrativa de su propia condición.
Este es el punto de llegada para comenzar otra obra, sinécdoque del eterno retorno como figura de la obsesión, la reincidencia de imágenes, formas y manchas trasminan la trama del material proponiendo el descalce, la borradura del desliz como una metamorfosis mas que natural, naturalista del estaticismo del plano pictórico en su paisaje conceptual a la manipulación delirante de lo fugaz, el desplazamiento real al sitio del movimiento. La narrativa adquiere realidad.

Kemper realiza un primer apunte de video-animación fragmentado a tiempo real con su propio pulso orgánico, voraz, depredador del ensimismamiento de la propia obra. Preludio de las conjeturas de lo otro, proponiendo una distancia con lo habitual. Ella misma en la pintura safa el lenjuague para esgrimir con la locura, la fobia de una huída perpetua - es la propia criatura que te devora pegada a tu cuerpo - en una antropofagia deli(be)rante que proyecta sus animaciones y las sumerge en estados alucinativos que aletean resonancias kafkianas.
La condición humana vuelve a ser relevante en el pretérito de una memoria presente, torciendo la realidad para subjetivar el acontecer transitorio, sea este el derrame visual de la noche o la refulgencia impresionista de las emociones cristalizadas en la fina comisura de un ojo, que ve a la vez con sus cien ojos la lluvia fuera de la estética, en el patrimonio de la belleza narcisista. Lugar donde la ilusión desata el fin de los cánones depositando la curvatura del arte en el anverso de la razón.

EL BASTIDOR VIDEÁTICO (tránsito y desplace)

Del tránsito

A modo de serializaciones, las obras pictóricas de la artista, determinadas por diferentes series temáticas, traman una historia secuenciada donde podemos construir un puente provisorio como cordón umbilical de una narrativa. Esto es la pintura y su simbolismo imaginario, que sientan las bases progenitoras de las videoanimaciones, rearticulando los mismos mecanismos de la ejecución pictórica en pro de la acción real.
La manufactura del movimiento alojada en las retículas grafistas depositarias del trazo, el color, la mancha, el valor de línea y la forma articulan, un debate expresivo entre realidad y ficticio, preceden y propician el tránsito estridente al otro sitio, este de certezas mayores en la crudeza y credibilidad al escenificarlo como estatuto de película, en su terminología mas cotidiana, podría deducir que todo lo que posee movimiento es mas real aunque siga enfrentando la trampa visual como su propio referente.

La construcción de estas animaciones clona sus universos pictoricistas, retribuyendo parte al dibujo, al color y fundamentalmente a una polisemia figurativa, desplegada en personajes y situaciones visuales que se animan desde el gesto de la pintura, mas que en el rigor tecnicista de la misma tecnica de animacion, proponiendo y experimentando con el genero que fisgonean los secretos de su propia existencia, son marionetas exangües irrigadas por la animalidad de su creadora en lo profundo de una mirada sepultada que logra ver a ras de la tela, como cobran vida las materias inertes y se alejan silenciosamente para ser libres del acoso del talento, de la inmediatez del plano, de la inutilidad de la obra en su estado de cosa absoluta.
Entre las animaciones de la artista “LINKS” desconstruye a trazos y formas partes de sus pinturas transversalizando el género, en un estadio del collage emplazado al video, sin dejar de reconocer en el proceso una huída, fuga masiva de intencionalidades, dando certeza de un constructo atávico, primigenio que conjura el génesis no solo de su obra sino de una comprensión de mundo, una cosmogonía inaugural, la cual reimprime sobre la visión austera del distrito social en su expansión limitada, con derroteros triviales del fondo cultural constituyente de la axiología humana.

Estas propuestas video pictóricas se fundan indefinidamente en el atrás sus hilos rectores, el pensamiento salvaje como anclaje de subsistencia a la sociedad contemporánea.
Kemper realiza su investigación desde el mundo natural, el ver pedestre en una ejecución ritualistica de los procesos y dimensiones que el concepto de obra de arte porta y talvez arrastra en la sociedad contemporánea, logrando desde su estrategia medial infiltrar delicadamente una antología visual perfumada de nostalgia y reminiscencia a una condición inmaculada del imprevisto como condición del percepto, lugar donde la mirada de la pantera trasmina sin peligro porque la presa del arte habita una historia fantasmal.

“Los dioses de la tierra y el mar recorrieron la naturaleza para hallar este árbol;
Pero su búsqueda fue totalmente en vano; solo crece en el cerebro humano”

William Blake

Desplace

Cada obra de Kemper engrana con la siguiente en el umbral del tedio, permicencia que cultiva desde la reflexión indómita en el corazón del huracán,
un laboratorio mental con los emisores clavados en las emociones determinando un descalce multidireccional, induciendo la incursión obsesiva en diversos terrenos lingüísticos.
El trayecto es la misma piel, el mismo líquido raquial (raquideo) que somatiza las ideas en un solo cuerpo de obra, provenientes del mismo mar templado y quieto que recoge su acontecer, aparentemente no se está en presencia del mismo cuadro, las ondulaciones pervierten la visión pero la envoltura platinada de su cubierta es la misma, el pulso lo genera el mismo pesar, palpito cadencioso de un hacer en convicción, el ritual de lo sentido como lo veraz y este como marca indeleble de territorio.
Desde esta plataforma empírica kemper estira su obra hasta trascender su propia producción, esta doble flexión la sitúa en el espacio, el objeto y la instalación.
Se ha establecido por tanto un desplazamiento y fundamentalmente un emplazamiento de ciertos conceptos pictóricos y del video animación al espacio instalacional, articulando los mismos procesos productivos, previstos en las pinturas pero que ahora logran confluir, en una mixtura tecnológica de los fragmentos constituyentes de su propia obsesión, el circulo indefinido logra cerrarse clausurando el desdén de las apologías de la obra monofuncional, estilística, de conceptos limítrofes en las posibilidades a lontananza que depara un hacer abierto, que sangra profusamente hacia arriba sin perder una mínima gota pulsativa.
Las ideas están destinadas, una ilusión adormecida comienza a moverse en sus cristales, es afuera que nada se ha detenido, al despertar encuentra sus mismas manos, alargadas, extrañas, iguales.

CONCAVO VERSUS CARNE

Este último periodo de Kemper aborda forma, imagen y movimiento como configuración orgánica de un ser-cosa.
Reestableciendo la polifonía pictórica, aplica la matriz del sistema serial y a modo de retícula orgánica y organizada desmiembra el cuerpo, su cuerpo y el de otros, amputando con la cámara detalles amorfos de los jardines Bosquianos para urdir un correlato fisiológico del ser humano en su estadio de sociedad indolente al grito aterrador entramado en la pared.
Extractos corpóreos, filigranas biológicas crepitan en temblores al unísono
estallando su convexo impúdicamente, sin poder mirar para rearmarse en un corpus carnal completo, balbuceando esquizofrénicamente su condición modular sin reparar que son parte de una ilusión única, soñada esta y todas las noches de la vida.

“Emplearemos nuestra alma en sutiles intrigas, y demoleremos mas de una pesada armadura, antes de ver a la gran criatura, cuyo infernal deseo nos llena de sollozos”

Charles Baudelaire

Una estructura colgante construida viseralmente de globos blancos, recibe a modo de piel, de cobertura o disfraz una multitud de imágenes vadeadas de fragmentos de cuerpos , cada parte respira y existe en si misma desbordando su autonomía sólo restringida por la demarcación territorial (encuadre) en conjunto nace una criatura monstruosa hecha de humanos, de restos corporales atrapados por la cámara, sustraídos de un todo para constituir una gran bestia carnosa, feroz a la vista plana del espectador pasivo.
En una operación con los soportes de proyección la artista logra reanimar una cosa, dotarla de vida pululante, gemidos, ruidos indefinibles, detalles descontextualizados agudizan una imagen inquietante que repone la lectura perceptual como forma de reconocer y capturar la obra, desarraigada de lo helado del concepto que en este caso logra flanquear problemáticas significantes, mas no permite absorber sin poética y subjetividad un universo connotativo el cual referencia una arcada fluida de ideas e imagen dejando en nervios los análisis semánticos de la obra.
Esta propuesta se desliza al campo sociológico como una ameba portadora de todos los aconteceres, las reflexiones y devenires exponiendo el cuerpo de cientos de cuerpos en su brutal dimensión natural, la belleza de lo genuino distorsionada al prefijo del prejuicio en una inmoralidad resplandeciente, autorretrato de la imposibilidad de ver-nos en carne y encarnados en nuestra meticulosa pulcritud.

“Acerba diosa de la naturaleza, te complaces en manifestarte en torno a mí, y enseñarme amenazante el rastro del buitre y el goce del alud que me aniquila.
En rededor respira rechinando los dientes la apetencia de muerte:
Seductora sobre la inmóvil estructura de la roca la flor suspira por las mariposas”

Friedrich Nietzsche

En esta gran masa Kemper proyecta su carnación renacentista, con esos ojos, aquellos, se mira inclemente, y nace nuevamente seducida por la mariposa.
Esto es ahora.

Texto sobre obra de Klaudia Kemper, "Cuerpo" - videoinstalación Galeria ANIMAL - 2005

VHB

2009-09-18T19:06:00.000-07:00

DESDE LA DELAGADA LINEA ROJA
LAND OF FIRE, Galería espacio TRAFIXXX

La extraña explosión globalizante de la sociedad, singular en el psicodrama de nuestra cultura campesina-barrial, bajo túneles y puentes gruesos, asfixio a las nuevas generaciones en la nata creadora.
La calle recupera un singular sitio escritural para deponer la fastidiosa idea de vivir en un formato estandarizado que no soporta perdedores, esta inercia provocativa genera deportar las instituciones y en su lugar re-poner sitios, formas, palabras, maneras, títulos y expresiones demoledoras aunque sea una bella cortaplumas de doble hoja, lo adverso ocupa todo.
La acción clandestina se desplaza desde la línea de borde y los efectos son primarios, claramente en estos ghetos de la crisis medial-capital la experiencia fénix refresca los modos y medios, la noción de contemporaneidad.
La alianza multiconductual y medial es el propósito y la desilusión compartida de todo protagonista de lo actual, en un curso efímero de todo acontecimiento se instala en la percepción de mutilar el medio.

Trabaja de manera crítica, intenta imaginar maneras alternativas de relacionarte con el poder, de dispersarlo, de negar que las cosas han de ser de un modo determinado".

Barbara Kruger

Trafixxx, un espacio expositivo, múltiple aparece en el sur de Chile golpeando paulatinamente el power, sintomatología que ya generaban en el linde critico cavernas surgidas en los noventa como Franklin Fournace - BOEK861 MAIL ART - Art Crimes asentados en una resistencia desmitificada, ausente y precaria, que propone pluralizar conceptos, formas e ideas y desestabilizar desde su ejercicio la hegemonía magnética del sistema. Este perfil de borde podría concatenar la experiencia TRAFIXXX con opciones históricas de autogestionamiento y distancia institucional como Los Ángeles Negros en los 70 o Caja Negra a principios de los años 80.

TRAFIXXX conglomera la basura blanca, el rayado, el alter y la música electrónica en acontecimientos plásticos-audiovisuales-socializantes localizados fuera del epicentro sociocultural, recogiendo de estas bizarras epistemes nacionales los elementos fundamentales que permiten congestionar el cuerpo productivo para validar el deshecho sin pretensión de instalarlo en una historia, mas, gozar el placer de existirlo como experiencia de contemporaneidad, es en si lo sucedido, lo que sucederá lo agitante e incomodo del vorágine urbano. Lugares que se permiten estar dentro y fuera, circulando sin conjeturar practicas novelescas, Trafixxx no pretendió engañarnos, algunos incautos creyeron ser voraces y definir sus limites y progresiones ahora son artistas, Mr. Trafixxx uso el ilusionismo y no hay nada mas deseable que ver partir a un ser humano en dos.

Galería Trafixxx nace en el sur, con una propuesta de arte radical con tres principales áreas de desarrollo: performance, graffiti, net art y video.
Caos, demencia, punk, Low tech son algunas de las características del proyecto galería. Comenzamos a trabajar el año 2006, hasta la fecha hemos generado una plataforma de experimentación y visibilidad para practicas que se encontraban lejanas a ser incorporadas dentro del circuito de Galerías Chilenas.
Además de organizar exposiciones, workshops, fiestas y residencias para artistas; Para el año 2009 pensamos sacar la galería de nuestra base: San isidro 512, Tenemos planeado aterrizar en Arte BA 09, Galería Animal, Local Project (Nueva York). Con un importante trafico de artistas Latinos Yisa, Verena Urrutia, Nicolas Oyarce, Elisita Punto, Phoyo, Mr.T, Mono Lira, Clemente del Rio, Ignacia Zordan, entre otros.

Texto sobre Galería Trafixxx, revista digital Sundeck - 2008

VHB

2009-09-18T18:57:00.000-07:00

DE CHILE CON D-OLOR

“La sociedad contemporánea está habitada por subjetividades toxicopornográficas: subjetividades que se definen por la sustancia (o sustancias) que domina sus metabolismos, por las prótesis cibernéticas a través de las que se vuelven agentes, por los tipos de deseos farmacopornográficos que orientan sus acciones. Así, hablaremos de sujetos Prozac, sujetos cannabis, sujetos cocaína, sujetos alcohol, sujetos ritalina, sujetos cortisona, sujetos silicona, sujetos heterovaginales, sujetos doblepenetración, sujetos Viagra, etcétera.
No hay nada que desvelar en la naturaleza, no hay un secreto escondido. Vivimos en la hipermodernidad punk: ya no se trata de revelar la verdad oculta de la naturaleza, sino que es necesario explicitar los procesos culturales, políticos, técnicos a través de los cuales el cuerpo como artefacto adquiere estatuto natural. El oncomouse, ratón de laboratorio diseñado biotecnológicamente para ser portador de un gen cancerígeno, se come a Heiddegger. Buffy, la televisual vampira mutante, se come a Simone de Beauvoir. El dildo, paradigma de toda prótesis de teleproducción de placer, se come la polla de Rocco Siffredi. No hay nada que desvelar en el sexo ni en la identidad sexual, no hay ningún secreto escondido. La verdad del sexo no es desvelamiento, es sex design.”

Beatriz Preciado

De Chile con dolor, se construye desde la opacidad productiva, con propuestas entrelazadas en lo bizarro, lo anómalo y una estética recalentada que revierte toda posible contemporaneidad para re-suscitar un estigma modernista serie B.
Bajo una línea de definición emocional, cada artista convocado se fractura al momento de repensar la obra en una actualidad confrontada a los medios múltiples, a los pensamientos lucidos y a los lineamientos de una buena actitud, en el campo de lo aseado, lo puro, lo lucido y asertivo del arte que acostumbramos reconocer.
Las migraciones estéticas y conceptúales, las divagaciones y acertijos contextuales nos dirigen claramente a un espacio medial de obra, de acciones que se instalan en un rango de posicionamiento pre-diseñado, ajustado a las oferta u demandas de la institución, el hecho de emplazar una paralela a la institución ya define un acercamiento al desciframiento del acertijo.
Bajo esta idea el perro no descansa y en si incuba la configuración de una nueva criatura bestial, organizada en otros sistemas de biología productiva que lo convierten en un devorador de acontecimientos, de traslados y maledicencias donde se sitúa esta curaduría.

Organizada en un mapeo simple y esbozado podemos delinear algunos conceptos que hacen plataforma:

ERRORES - IMPERFECCION - OBVIEDADES DESCONSTRUCCION - EMOCIONALIDAD - PRECARIEDAD - FRAGILIDAD

Deslindando desde aquí formas y métodos productivos que están bajo el rango de la mínima o nula participación en un escenario codificado, tampoco es el under-refrito sino una incapacidad, en el mejor de los sentidos, de estar dentro de algo, de configurar centro y menos periferia algo que enarbola la constitución permanentemente subjetiva fuera de todo marco de análisis, fuera de toda contingencia, fuera de todo recipiente contenedor que indique lugar y posición.
Generando un correlato desde una mirada plástica, esta propuesta anuda y mezcla químicamente las partes para formular una suerte de gran obra (espacio orgánico-corpóreo) fragmentada, una noción desequilibrada y atentadora de la colectividad, escasa en los sistemas actuales de distribución y escenificación, indagando en esas partes desarticuladas que se refugian en la búsqueda de un cuerpo que las contenga y las signifique para evitar referirse a sí mismas en una retórica romántica inerte, se hace cuerpo del fragmento, del miembro deforme, de lo amputado y repuesto, del rechazo, de lo extrañó.

Un punto de realidad anclada, esta en la deformación del entendido político, escapando claramente de un sentido concreto y digerido de una etapa social donde la asertividad y necesidad del ser político constituyo mas que un acontecimiento estético una formulación de las ideas, de los prefijos formativos del individuo, de una definición de formas, en este caso una vacuidad estancada resume tales posiciones en un peyorativo reducto de espacios vacíos, lisos, descalcificados pero donde justamente se incorpora una melancólica y acentuada resemantizacion imposible, un deseo-intento que pretende quizás hacerse cargo de una patológica culpa que logre llenar la nimiedad gloriosa.
Este centro medular de ser y no estar, de producir y no generar, de practicar y no comprender es el sitio del deseo, informe, inocuo, procaz y muy efectivo al momento de colectivizar desde el retazo acéfalo.

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Texto curatorial para proyecto N200 - propuesta de Artenlinea

Espacio CELLAR - 2009

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VHB

2009-09-18T17:45:00.000-07:00

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LA FRAGILIDAD DEL MURCIELAGO
Elucubraciones de un deseo

Los murciélagos se esconden tras las cornisas
del hastío. ¿Pero dónde se esconden los
hombres, que vuelan la vida entera en la oscuridad,
chocando contra las paredes blancas del amor?

Como se cruzan dos discursos visuales en la ceguera de una relación, como las obras se pueden relacionar mediante la tactilidad que seria su materialidad convertida en recursos de dirección y sentido.
Esta propuesta reúne sensaciones y estados no resueltos de distancias y cercanías bajo el alero de ser producciones situadas en un mismo contexto no así bajo un mismo deseo. En la imposibilidad de dualizar los deseos y lograr asociarlos mas allá de una constante de “amor”,la ceguera podría ser la imagen nula que potencia el tocar, el roce entre los trabajos, la fricción que deslinda en fronteras cuyo linde solo esta en la posibilidad de acceso y lívidos contenidos en cada parte, el recorrido en la oscuridad problematiza la propuesta contemporánea en la medida que prescinde de un juicio visual para establecer un vinculo estético conceptual, dejando abierto un campo de seducción que a partir del tanteo y la confabulación de un posible, de un inesperado que recrea al otro, lo aparece. Este transito por lúgubres espacios del arte, de invenciones y especulaciones contextuales es claramente la proyección de los deseos arrojados al otro, puestos en el otro, esperados a partir de los primeros toques imperfectos en sitios a veces demasiado íntimos, donde ambas propuestas pueden confluir en un claro a estilar sus sentidos sin nada que les cubra, obscenamente cruzadas en un todo extraño.

QUIEN COMO ÉL QUE EXIGE EL SUDOR DE SU SEMEJANTE AUN EN LA OSCURIDAD

Cada deseo implica su consumación, la obra implica un deseo siempre….este se consumara en una laguna, en una noche, en una cama sin luz.

Texto para Galería IMANARTE, exposición Bi-personal
Klaudia Kemper - VHB, Bogotá, Colombia

VHB

2009-09-18T17:34:00.000-07:00

LOCALIZACION ACTUAL

El estado del arte contemporáneo, su expansión y su posibilidad de recuperación acelerada, desde la enfermedad, sitúa las nuevas propuestas en un campo de irreverencia de actitud mas allá de lo formal, en el modo que acompaña a esta convalecencia, la maquinaria del hacedor, una oxigenación artificial, sistemas circulatorios de apoyo, alimentación, presión corporal regulada y una basta logística que le permite existir en el linde de la independencia absoluta, en la medida en que se logra apartar de los procesos convencionales del arte. Esta figura se instala en la coalición entre el individuo productor/gestor, el artista y su circulación mediática, refiriéndose este nuevo enlace a la participación global de esta imagen artística en el medio sociocultural, como un proveedor de sus propios sistemas formativos, circulantes, estratégicos y posicionadores de la producción.
Las actuales propuestas creativas y culturales elaboran, diseñan y distribuyen sus propios códigos de posicionamiento bajo la lógica de que toda forma de hacer y pensar los sistemas artísticos es válida en la medida que se determine su poder de acción y se constate en la convención de cada propuesta al interior de una colectividad o de una agrupación ideológica y sus repercusiones mediáticas amplias, esporádicas o nulas. Esto define conglomerados urbanos que hacen fortaleza en la similitud de sus ideas, generando una amplitud mayor de posibilidades de obra, de estilos y de maneras de distribución de las mismas, acotando su contraparte que sería una cierta fragilidad proyectiva en el tiempo. Se generan movimientos y posturas en relación a los lenguajes que son de corto aliento lo que va narrando una historia vertiginosa y estreñida del arte, limitada a la proyección humana de trayecto activo en la existencia, con un porcentaje de pérdida elocuente generado justamente por una localización fugaz en la inmediatez.
Los distintos proyectos de revisión, compilaciones y muestras retroactivas pretenden retener estas filtraciones y pérdidas en la producción actual, localizar sus coordenadas de gestación, sus ejes de movimiento, y sus repercusiones interactuando con las mismas estrategias que las proponen, estableciendo una revisión genérica, critica y de gran apertura como un sistema directo en el desarrollo, donde los canales de circulación de información, de conceptos y de imágenes sean recíprocos, creando pequeños relatos que permitan reelaborar desde lo propuesto al interior de las propias lucubraciones de instalación en el sistema, una historieta sardónica que preserve una continuidad de sentido en un escenario desarticulado por el espanto de un cadáver en pie.

- Lo muerto no tiene movilidad, lo descompuesto no se detiene y se sitúa bajo el mismo prisma, determinar su final -.

La obra contemporánea actúa en sociabilidad con el medio, soportándose en una plataforma flexible cuyas coordenadas generan todos los sitios posibles para la proliferación de intersecciones semánticas ilimitadas. Los roces, los cruces y las fricciones de sentido, la distribución del producto, el choque y los excedentes de la pérdida, son material recuperable, moldeable para sostener y re-poner un acontecimiento ilusorio que sólo se puede definir en una forma de vida, de existencia al interior de una vorágine que suspende conceptos obsoletos de la historia del arte y pone en palestra todos los posibles desechos para ser reciclados desde la clara conciencia de su desvanecimiento, su pérdida constante y su objeción en y con la tradición.
Una instancia de archivo que determina y fija, más que una historicidad resguardante de los sistemas de producción, un proceder y procesar fragmentos ideológicos, circuitos y espacios paralelos, obras y acciones particulares que bajo un rendimiento casi invisible constituyen los soportes actuales y campos referenciales que permiten leer la condición artística, en la expansión indómita de su propio género, permeabilizándose en el lugar del cotidiano absoluto.

LA INSTALACION ENDÉMICA – y su descomposición prematura

Los quistes y la fiebre reumática se perfilan como los próceres de una instalación inhóspita, estructuras anquilosadas han definido los modos, las formas, los recursos, las rutas y los derroteros, situación normal si es tratada rigurosamente porque comprende un detenimiento o una disminución sintomática. Pero justamente cubicando esta escena del crimen aparece una prueba ineludible, la “reverencia” en toda su majestuosidad y detestable belleza, proponiendo un continuismo borreguil que se configura en el núcleo patológico de tres décadas de producción objetual, con emplazamientos espirituales y réplicas fortuitas de una verdad cognoscente hecha de artificios con mecánicas probadas y con una falencia intestinal que no permite abrir los ojos y alcanzar la nitidez de una ciénaga romanticista referenciada en una tradición formativa.
Un leve temblor corporal estremece a la distancia como el vuelo del insecto, esta cristalización endémica de lo que entendemos como contemporáneo. Desde una posición inalterable y a la vez oblicuamente aterrorizada, otras obras son y serán.

“Con el desvanecerse de la luz, mientras la hoz de la luna se desliza verde y naranja, envidiosa entre rojos purpúreos, - hostil al día, segando a cada paso las guirnaldas de rosas con sigilo, hasta que se hunden, pálidas, en el seno nocturno:
así caí yo mismo alguna vez desde mi desvarío de verdad, desde mis días afanosos, del día cansado, enfermo de luz, - caí hacia abajo, hacia la noche, hacia las sombras, abrasado y sediento de una verdad.”

Friedrich Nietzsche – Ditirambos Dionisíacos

Esta contusión referencial que emite vibraciones dolorosas, posterga los protocolos oficiales, algo deja de verse, se olvida espontáneamente. Esta presencia se organiza desde una factoría subjetiva, inocentemente temblorosa a la realidad televisiva, situando un campo de conversión de las formas en la instalación misma y en la manera de hacer el apacible acople reiterado en los formularios fiscales, la palabra repetida, el gesto amoroso, y una insustituible sensación de haber estado haciendo algo que tampoco alcanzaba el sentido de dar infierno por cuero, a la historia del arte. Es la obra una nueva “actitud” en la presencia del personaje que está situado media pulgada más allá de la línea roja, uno de sus lados ya no existe, es invisible. En el otro, está el acontecimiento como el único recurso que sostiene y permite que este corpus funcione, expeliendo humores deleznables de una eternización en las formas de hacer y expandir la obra.
Una presencia manofactural desde ideas inmediatas, habla de procesos creativos continuos, propuestas en rodaje inexactas, indeterminadas y sólidas, en la cobertura de una construcción en placebo, no hay acuerdos, no importa si existe un acuerdo, el material exporta las nociones de obra expandida, maderas precarias, pintura esmalte, - apuntalaciones para una pintura repatriada – lo que permite debatir el conjuro poético del personaje y la brutalidad medial (Latoja – Cerda).
La historia es un blanco a ser embestido, arremetido quizás desde las gloriosas batallas imaginadas por Peter Jackson, en las envestiduras del subgénero gore en el Señor de los Anillos, dejando evacuar cada fragmento de prioridad gozosa como el argumento único de un creador en la planicie contemporánea, desde su ventana por momentos, esperando ver algo que le pueda sorprender mas que su propio cuerpo manipulando semánticamente. Tomando todo lo posible de su entorno para otorgarle efectivamente, mas que un tenue sentido simulado de la clásica “otredad”, una cobertura plena de una vacuidad solemne, exquisita, que sólo se puede llenar de ese extraño y sublime acto de torcer la mano, para evitar que alguien sienta algo que no está definido entre nosotros –Yeniferth Becerra, Valeria Burgoa, Rodrigo Bruna – propuestas continentes de este espacio singular en la medida que rebasan el horror al vacío con el placer de la incomprensión, un trueque en las poéticas que queman la metralla desde los mismos manifiestos. Entre precariedad y despuntes, temporalidad y algo de lo hiper-real que entumece la percepción.
Esta aproximación al objeto acentúa en su texturalidad la impregnación de esta noción de inmediatez donde el evento en fuga no da cabida a una reflexión aletargada dentro de un encuadre romanticista. La obra es instantánea y modula un fragmento del contexto. La instalación hoy comprende todo sus recursos y manierismos, sus formulaciones estratégicas y su apariencia, colocándola en el formato pedagógico de un sistema lineal sin alteraciones ni fracturas, sobre todo las lesiones expuestas que pueden regular el impacto de su visibilidad - sólo se sostiene en el aire el sonido de un hueso al romperse -. Singularidad que insiste en re-poner un despliegue de cansancio y sobre todo de saturación endémica de las formas, fatiga de materiales que propicia una inducción a escarbar a través de esta misma fisura extrayendo parte y totales de ese interior sin esperar encontrar en esa historia resumida del sistema fiscal alguna reclamación o condición que intente localizar un enigma de procedencia. La producción contemporánea se oculta en la musculatura profunda como un corte sagital de la actitud (Swinburn – Aninat) lo que parece ser el constituyente de un territorio baldío extendido a la ocupación de ideas previas, de acontecimientos vagos, de presunciones en torno al arte, de una sensación limitada sólo por el hecho real. El espacio del residuo comienza a generar esa expectación que podemos esperar de la obra, una inestabilidad que es reforzada por la aparición de su ejecutor fantasmagóricamente pasando de manera enigmática al otro sitio donde el objeto de cartón y la pintura industrial, narran una situación privada a pesar que puede estar sucediendo en este momento, pero que jamás será lo mismo desde el instante que cada cual lo reduce a su manera, lo vuelve otro en la textualidad del arte, donde puede residir como obra. Lo que se entendería como el sitio de su propia muerte.
Todos los mecanismos que la instalación utiliza en esta línea conductual, participan también de esta vaciadura, argumentándose solamente en la continuidad progresiva de uno después del otro, una organización de libre albedrío en la disposición del organigrama institucional, pervierte este recorrido estableciendo la discordia como una plataforma generadora de expectativas sin aproximaciones a la verdad ni a la tradición, sino mas bien, catalizadoras de un pragmatismo que se emplaza a modo de gesto particular, de ficiognómica en cotidiano, gestos mudos frente al espejo, de algo que todos podrían poseer sin establecer una necesidad. La ausencia de una verdad.
Esta discordia crea una dispersión seductora que nada logra asociar, bajo los parámetros de una herramienta formal que se entiende interpela mediáticamente como una ejecución de vanguardia en las artes, pensando que hay algo mas, algo después, sosteniendo efímeramente un deseo como único soporte de privilegio.
Una pulsión aberrante de la mano con la torrencial contextualidad como referente, configura este nuevo panorama, un campo extenuado de ocupaciones probables, de lucubraciones culturales y políticas, de excesos corporales destinados a satisfacer todo aquello que no tiene claridad en un terreno expandido colmado de actos fugaces, precisamente donde una actitud cobra concreción en formas que transitan sobre estos desperdicios de actualidad y en ese sitio propone rehacer su condición de objeto de arte, su nombramiento protocolar de instalación con un estatuto de sentido, que lejos de ser paradigma de lo real del propio lenguaje, parodia la ficción del arte como una idea en rodaje que no alcanza a prevalecer bajo este ordenamiento de lo inmediato.

El arte revestido con el género más gastado, es como más fácilmente se le reconoce.
La bastedad de pequeños detalles hoy le gustan al artista y talvez mañana no, existen no tanto por el arte, si no mas bien por el mismo, pues también este, dado el rigor y el dominio de sí mismo que le exige la representación de la concepción fundamental, necesita de vez en cuando golosinas y juguetes para no avinagrarse

Friedrich Nietzsche – Humano demasiado humano

Hacia algunas instrumentalidades

Dentro de las propuestas podemos definir ciertos campos de trabajo como catalizadores de las operaciones visuales en HABER, insistiendo en que ese espacio de referencialidad está instalado en investigaciones marcadamente personales que se deslindan en algunos casos de sus procedencias formativas y marcaciones pedagógicas que surcan profundamente a generaciones anteriores. Más que como una manera de pensar la obra en si, como un continuismo de sustentación de las instituciones en la cultura del recorte.
Deviene nuevamente una actitud en las actuales generaciones, de recorrer a la inversa de un destino que ya no es conjetura sino una visión tangible, hasta hace poco, inexorable de los procesos de producción, las escuelas tradicionales, los magíster de arte y teoría y los seminarios de autoabastecimiento crean estas plataformas de manutención y proyección de ideas subjetivas, generando un claro detenimiento en la fluidez de los nuevos lenguajes.
Este divorcio generacional abre un nuevo campo de especulaciones, inestable, impreciso, pero que a su vez porta argumentos de última generación, la idea de construirse a sí mismo, generar los propios medios de rotación y distribución, asentando no sólo el producto sino también un andamiaje previo que retroalimenta un sistema circulante inédito, propio, que se aparta de una burocracia ideática y formal fatigada por su propia reiteración manierista.
Trabajos que cruzan las nuevas tecnologías de avanzada y repliegan problemáticas contextuales feroces, sobre su mirada introspectiva, planteando visualidades eclécticas y múltiples, fuera de prejuicios formales esgrimiendo sus propios acontecimientos vivenciales sin esperar o buscar una aceptación del sistema, (Max Corvalan) con respuestas obsesivas a un críptico estado de conciencia. Nuevamente surge la enfermedad como metodología del hacer, sin dejar de transitar las mismas vías y los mismos canales de transportación de los contenidos, una recuperación del hacer remitido a una experiencia desconocida en casos, situada en la propia historia original ya no exclusiva del arte, sino también universal, como espacio contextual que remite constantemente - siempre hay destinatarios y la idea del bumerang deja abierta la posibilidad de perder los dedos en su regreso -

El objeto se activa en la deshonra del cuerpo usado y flagelado por un sistema social glorificado en la década de los setenta, es todo y es nada. Las copulaciones tribales urbanas en colectividad son la ley del uso, todo se dispone y los sentidos vuelcan contenidos indescifrables, como leer esto bajo una academia, como respetar esa fiscalidad formativa sin leer muerte de las cosas con el miedo sistémico a no pertenecer. Reponer a Platón con los campos de realidad bajo cortes sagitales y el neoclasicismo de las tiendas de diseño sin previa presentación de los protocolos del arte que insiste en ser rector de los procesos del hacer (Gelcich – I.Correa – Guzmán) exponiendo de su belleza la historia noble de una tradición frígida, cercenada por la descarga, mas bien por la pérdida ecuánime del sentido de las cosas, en términos de un “respeto” casi desvanecido en el tiempo.
Por otro lado la acción televisiva, la hiper-información que persuade a escribir mucho y a veces aún más y tomar lo que se presenta en torno, nos vuelve al campo expandido del arte, a amputarse una oreja, pero hoy volver a reinstalarla con reparos estéticos y distributivos. El accidente cimenta estos discursos, el color existe y nada oscuro lo puede opacar. Art attack y la democrática convicción de que cualquiera puede ser artista, no intentará localizar ideas, mas bien localizar la frustración de saber hacer nada, construyendo a partir de una instantánea lo esencial del cotidiano, habiendo recortado toda apología al pasado (Latoja - Cerda – Grumm - Silva), pero está claro que la instrumentalidad sigue siendo la forma de hacernos colonos de un destino y cobijar en esa casa de desechos una imagen imprecisa, un juguete grande que pareciera ser y no lo intenta. Ese sería el deseo de esta “vanguardia”, pasajeramente sentir la carne, saborearla y luego vivir de la visa espiritual o salir a matar y encontrarse con una expectativa, sólo un vestido y algo más que no es posible, ni menos necesario definir en los parámetros actuales del arte.
Cabe citar lo que Maria José Rios acota sobre su trabajo: “la búsqueda de algo, este algo puede ser objeto, palabra, acontecimiento, etc. Es un juego, el cual tiene contenida toda su acción y razón de ser, algo así como un secreto y misterio, casi imposible de ver…” seria este ese espacio inédito, que prevalece solo en la ideas y en una sensación de hacerlo reclinado en el deseo, ese misterio que podemos llamar subjetividad, alcanza al interpelante desde sus zonas pudendas, fragmentos de intestino y algo de dolor que aun no deja de embellecer lo que algunos siempre quisieran ver en un espacio amplio, sagrado y blanco, con un eco eclesiástico destinado a resguardar las mas bajas conjeturas emocionales.
Surge entonces una rebeldía formal de combinatorias inusuales, radicadas en las percepciones que estiran una planicie reposada, blanca, entre cristal y leche detenida, que propicia un desarrollo bacteriano voraz, destemplando el cuidadoso estudio de los espacios, sus relaciones arquitectónicas, las cargas semánticas y los montajes de sentido. Las materialidades muestran la crisis del tiempo, la fugacidad se acota en la aparición de insectos de la descomposición del cuerpo – todos los días son iguales, luego viene el ocaso – y se espera algo en palabras reales, en tiempos reales, en lugares vacíos, donde ya todo existió y solo queda poner dentro de ellos una expectativa que resitúa el arte en toda una poética de los equívocos, de los desechos y la perdida de carácter, extraviado entre códigos, formularios y experiencias inscritas en su prevalecencia en el tiempo. La tradición, las ideas y los territorios del metalenguaje se alimentan de un residuo exhumado deteriorado hasta la aberración una herida bizarra del mundo que se refleja en una laguna de lodo después de la lluvia.
La obra ya no es conducente, el artista solo “es en ella” circunscrito a su mayor anhelo de alcanzar parte del cielo y desde este, parte del ocaso.
El asombro de saber como eras antes, cuando me soñabas.
La instalación actual ocupa una habitación, la desordena y clasifica, reorganizando el misterio de un campo emocional y un saber que ha significado el haber estado ahí alguna vez.

Texto para Exposicion "La Instalación en Chile" - Curaduría Carlos Montes de Oca - Museo de Artes Visuales - MAVI 2007

VHB

2009-09-18T17:28:00.000-07:00

MEMORIA UNPLUGGED

Deshojar la ciudad desde su temporalidad, definiendo los mecanismos y las operaciones para su re-descubrimiento en procesos manufacturales pertenecientes a su construcción modernista, descifrando-deshilando periodos y procesos histórico-culturales desde una operación visual – Decollage - que se resitúa en la contención de lo prohibido por un sistema, la acción urbana clandestina como operación de borde. La ciudad resguarda en la investidura social su propio registro, alcanzando formas nuevas que argumentan su devenir marcando notoriamente un progreso solapado en el soporte propio que la contiene: el acontecimiento diario, el propio uso de la urbe, sus calles, sus muros, sus veredas, sus afiches.
La urbe se constituye aquí en el recolector anónimo de acontecimientos que van siendo repuestos en una dialéctica de borradura, política impositiva de las vanguardias, en este caso una precaria sobreimpresión de la imagen. Mecánica que opera como ejercicio cotidiano de renovación al refrescar la información, pero sin tomar en cuenta el débito que generan estas yuxtaposiciones, sustratos socioculturales que se constituyen en soportes silenciosos articulados por el tiempo y su desgaste cotidiano.

El proyecto Huella Pública escanea estas placas sociales, operando desde la prospección para definir el espacio visual a socavar, decodificando muros doblegados por cúmulos de afiches, capas pictóricas y matéricas que hacen soporte informante temporal, sin eliminar información, sino al contrario almacenándola a modo de una veladura eterna que encubre y a la vez denuncia un grito cultural cacofónico, un campo expresivo que esta vez es domesticado para descubrir quirúrgicamente su contenido y reinstalarlo, desde otra localización, en un nuevo manto comunicante, sedimento visual que actúa a la inversa, precisamente, de las políticas de la imagen contemporánea.

Arqueología urbana – Decollage

“Los artistas recuperan los objetos de la sociedad para hacer reliquias, símbolos potentes del consumo. Siendo el objetivo transformar un objeto de culto de nuestra sociedad y hacer algo distinto, a través de sus formas.
La escuela nizarda ha venido a enseñarnos la belleza de lo cotidiano.
Hacer del consumidor a un productor de arte. Una vez que un ser se integra en esta visión, ser vuelve muy rico, para siempre.”

El proyecto Huellas Públicas recupera efectivamente ciertas operaciones del nuevo realismo, para asignarles una tarea especifica, recodificar el tiempo mediado por las imágenes superpuestas y hacer aparecer un estatuto de obra actualizada, barniz ecléctico que sitúa al artista en una versión refinada de las nuevas concesiones que el arte otorga y calla.

Desgarrando, trozando, mutilando los espacios públicos, se comienza a articular una secuencia serial de procesos visuales, formales y conceptuales que permiten reinterpretar los ismos y volver a instalarlos en discursividad, en
términos de una ocupación mecánica de las herramientas sensibles, una forma productiva que bajo la idea de la interpretación desenchufada vuelve a los orígenes emocionales del hacer, definiendo un sistema y un proceso de obra que maniobra en una plataforma versátil, contemporánea en la medida que resemantiza, no solo el sentido del material recuperado de la ciudad, sino que pone en cuestión los procesos visuales y artísticos con cruces inesperados, cuya resultante podría estar en el linde de lo medial y lo artesanal, de lo claramente subjetivo en el hacer mismo y lo fiscal en el proceso.

Esta ambigüedad procesual proporciona al proyecto una luz oculta de seducción donde se guiña constantemente con las extensiones relacionales del arte y las clásicas operaciones de la imagen, recalcando la meticulosa operación del Decollage bajo otra ladera de pensamiento. Se reanuda acá un sistema de análisis del pasar social urbano, en un tiempo determinado, pero que en el momento de su ejecución empírica toma la distancia de enfoque para crear desde una nebulosa sensual, poética que nos retorna a la mas concreta materialidad, a la condición emocional y sensible del constructor de sueños, de cosas que no existen donde todo aporte sociopolítico queda exangüe para volver a proponernos el discurso de lo real como medio de diseminación plástica, la manufactura, el error, el descubrimiento, el desvestir la ciudad sin mayor claridad que lograr encontrarnos algo que proponga confundirnos, que incite a un momento de asombro, como los recuerdos, como los sueños.

Cada etapa sustraída da cuenta de un gesto, como cada capa de papel o pintura es un componente visual de este nuevo código de-constructivo, que constituye el registro efímero de nuestra cultura contemporánea, donde cualquier ecuación estética para rehabilitar este corpus sonoro, comunicante, es permeable a ser silenciada desde la teorización de su propia génesis sensible, por esta razón cabria comprender ese traslado al campo visual, justamente por conseguir contener en un espacio indescifrable, la posibilidad solicitada de percibir lo que esta atrás y luego mas atrás de lo real.

Un espacio poético suspendido entre gestos públicos y la mirada privada que los recopila en un transito cotidiano que se detiene en otro devenir paralelo, siempre encubierto por una nueva dermis sensorial. Este trabajo recompone así un tiempo visual crítico y lo asienta en un universo sensible determinado, no solo por su propia definición social sino por su enclave en la propia historia del arte, como lenguaje, forma, sistema y normativa, despojada de su acepción concreta, alcanzando en un momento el obligado espacio de lo indecible.

Texto para catálogo de exposición de Felipe García Huidobro

en Galeria Puntángeles, Valparaiso - 2009

VHB

2009-09-18T17:13:00.000-07:00

Oz – Barroquismo GENETICO

“Las búsquedas mas radicales acerca de lo que significa estar entrando y saliendo de la modernidad son las de quienes asumen las tensiones entre desterritorialización y reterritorialización. Me refiero a dos procesos: la pérdida de la relación natural de la cultura con los territorios geográficos y sociales, y, al mismo tiempo, ciertas relocalizaciones territoriales relativas, parciales, de las viejas y nuevas producciones simbólicas.”

Néstor García Canclini

Podemos abordar el proyecto OZ desde la simbiosis bastarda que se genera en los escenarios contemporáneos de la multivisualidad genérica. Entendiendo esta idea como una post-producción medial propia de los debilitamientos icónicos, de las ideologías emblemáticas y de las certezas temáticas que nos definieron una inacabada modernidad.

Oz despliega las junturas ocasionales entre dos líneas históricas, que no solo definen nuestra malograda re-conquista sino dejan entrever la continuidad de un ensamblaje cultural, político y social que nos define como espacio y pensamiento, las pintura barroca, la escuela clásica y sus distribuciones a los nuevos espacios encontrados, hoy se detectan claramente en una fusión visual, formal y temática que sobrepasa todo fenómeno comunicacional.
Ciertamente en una era donde la imagen fractal sobrecoge todo espacio de mirada, toda condición de venta y compra, todo lo exhibible y catalogable, todo el universo medial constituyente de lo social, podemos localizar parte de las nuevas producciones visuales como parte de un marasmo semántico que dice en su convención el quiebre estructural de las poéticas lineales, puristas, limpias e indiscutiblemente certeras en cuanto definición simbólica se refiere, la obra de Loreto Gonzáles se despliega en esta plataforma errática, en el mejor de los sentidos, recolectando el acontecimiento histórico de la pintura como re-posición vulgarizaba, accesible, localizable perfectamente dentro de un sistema cotidiano. Detectando cual es la distancia hiper-real entre las tiendas de juguetes plásticos y el Museo San Francisco, dos parafernalias actuales que designan reinstalaciones de la conquista a partir de la arquitectura compilatoria del Pop reinventado, del popular mas allá de sus fronteras conceptuales, que en un momento constituyeron estilo, tendencia y forma, hoy develan el acontecimiento de la absorción osmótica que provee toda nuestra cultura contemporánea.
Las reproducciones offset en formatos estandarizados medios, los brillos de su canonización icónica, hablamos de la textura del artificio, los colores sobre expuestos de la realidad mediática se constituyen en soporte directo de la complejidad histórica que nos deposita la propagación fantasmal de una creencia, un paño oscuro perdido entre los purpúreos y bermelos que entresalen de un fondo velado por la insistencia inédita de infundir actitud, cultura y conocimiento donde ya estaba emplazada toda una cosmogonía perfecta. Este nuevo espacio es el sitio recuperado de OZ, un lugar concreto, extraño y seductor al ojo domesticado, la artista re construye la operación pictórica con la misma disposición donde la encuentra, la pintura industrial, esmalte sintético, el objeto popular, la cinta de pegar, las luces divinas….y la enfermedad…se reúnen corporeizando una alegoría inventada de lo sacro, óseo en su postura angular de apoyo, como el mismo hueso artefacto estructural, tejiendo una infinidad de cruces, roces y junturas que la nueva cultura nos permite, particularmente cuando estamos frente a la presencia vacua del acontecimiento real, su referente no es la impresión offset, sino la idea trastocada de que esa impresión tiene su original en la historia del arte como una anomalía del aprendizaje en nuestro continente, hablamos de una cultura del recorte , de la simulación , de la impresión económica que nos aproxima al éxtasis de lo real, sin nunca alcanzarlo. OZ detona una nueva circulación del sistema pictórico, de la multiplicidad de las imágenes y de la divagación de los sentidos del arte, yuxtapuestos a los inasibles sentidos que otorga la subjetividad.

“la reorganización de los escenarios culturales y los cruces constantes
de las identidades exigen preguntarse de otro modo por los ordenes que sistematizan las relaciones materiales y simbólicas entre los grupos”

N.G Canclini

Esta producción nos acerca a una serie de obras que anudan artificio y tradición, cultura y neo-cultura, realidad y desplazamiento a espacios empastados de negro corriente, de rojo industrial y de dorados que mienten sobre su misma condición de materia y material, es un escenario donde todo esta sucediendo al mismo tiempo, pero cuanto se mira de vuelve a recuperar la idea estética, de belleza, de gusto y forma, de discurso aferrado a un transito de sucesos imposibles de amalgamar con un texto. Son formas, materialidades e ideas en torno a un estar cerca de lo real.

Texto para catálogo de exposición de Loreto Gonzalez

Espacio Residencias La Ronda, Quito, Ecuador - 2008

VHB

2009-09-18T17:08:00.000-07:00

YISA – PINTURA ILEGAL

Pensar el arte contemporáneo ya no reside en los lindes estéticos ni paradigmas modernistas, no están los sitios específicos del la forma ni los preceptos estilísticos, las utopías de la individualidad denotan un desgaste que provoca una debacle a todo un sistema afiatado en las circulaciones positivistas de la producción artística.
El estado del arte contemporáneo, su expansión y su posibilidad de recuperación acelerada sitúa las nuevas propuestas en un campo de irreverencia de actitud, este se instala en la coalición entre el individuo productor, el artista y su circulación mediática. Refiriéndose este nuevo enlace a la participación global del artista en el medio sociocultural como un creador de sus propios sistemas formativos, circulantes, estratégicos y posicionadores de la producción.

Las recientes propuestas creativas y culturales elaboran, diseñan y distribuyen códigos propios de posicionamiento, bajo la lógica de que toda forma de hacer y pensar los sistemas artísticos es valida en la medida que se designe su poder de acción y se constate en la convención de cada propuesta, al interior de una colectividad o de una agrupación ideológica. Esto define conglomerados urbanos que hacen fortaleza en la similitud de sus ideas, generando una amplitud mayor de posibilidades de obra, de estilos y de formas de distribución de las mismas, acotando su contraparte que seria una cierta fragilidad en el tiempo, me refiero que se generan movimientos y posturas en relación a los lenguajes de corto aliento lo que va narrando una historia vertiginosa del arte mas reciente, con un porcentaje de perdida elocuente generado justamente por una localización fugaz en la inmediatez.

Resistir en la pintura se acoge a una esencia romántica de la palabra, la realidad esta superpuesta a esas quimeras de la materia distribuida en el soporte y la idea impaciente de instalar una obra en un sitio donde alguien pueda observarla.
Yisa agrede el sitio del desalojo y esto lo determina a conjeturar que podría ser un pintor, aun, pero que resguarda la esencia de un concepto retraído en la contemporaneidad de todo sentido común, la acción de pintar se plantea en la urbe y solo existe en la medida que define territorialidad, de-marca el acontecimiento de la tela como una señal de propiedad y de existencia en la guerrilla urbana.
Poder definir en el eriazo una forma, una estructura visual reconocible, una extraña aparición icónica formateada a su propia técnica, del agenciamiento de lo precario como único recurso en la oscuridad de lo real, sobre un muro deleznable, que se va constituyendo en la persistencia irracional de la acción mítica de establecer una imagen, en una obligación a la mirada, ineludible a la ausencia de sentido en la fugacidad de la agitación publica.
Se impone aquí satisfactoriamente un engranaje personal e intimo, que entra en relación con el otro, un vinculo del lenguaje de la calle, conocido en su traslape semántico de manierismos y gestos predeterminados por un formato de sociedad. Se desplaza un trafico visual que entienden los que circulan la ciudad como un medio de relacionarse con las cosas y el mundo, reorganizando redes y nuevos puntos críticos , ya no al costado del sistema oficial , sino dentro de este, en una estrategia mediática de la actualidad, que permite y le permite a Yisa, entrar en vínculo con los demás sin interpelar con los espacios académicos y mas conservadores de la cultura, pero cruzándolos constantemente al utilizar sus mismos códigos conceptuales, que son los que se mantienen inalterables, precisamente son las condiciones de uso de los sistemas y de distribución del acontecimiento artísticos las que se modifican.
La propuesta de Yisa logra tocar la medula sin partir el hueso. Aquí la pintura es un medio, lo que constituye la obra es el acontecimiento que la instala, su planificación y su condición efímera en la fragilidad actual.
Asentado en la calle entre los deshechos y los recorridos de la historia de la pintura, esta propuesta sobrepasa la posibilidad de ingresar el graffiti, el rayado y la iconografía de la irreverencia a un espacio establecido, logra constituir una relación entre tribus que producen sentido bajo los mismos códigos que se organizan las tranzas sociales contemporáneas. La ley de la imagen con zapatera y látex – marks of power.

Texto para exposición de Yisa - Latex y Zapatera
Galería Trafixx - 2007

VHB

2009-09-18T16:59:00.000-07:00

RE-POSICIONES

Sueñan los androides con ovejas eléctricas?

“Con la separación generalizada del trabajador y de su producto se pierde todo punto de vista unitario sobre la actividad realizada, toda comunicación personal directa entre los productores. A medida que aumentan la acumulación de productos separados y la concentración del proceso productivo la unidad y la comunicación llegan a ser el atributo exclusivo de la dirección del sistema. El éxito del sistema económico de la separación es la proletarización del mundo”

Desde toda organización reproducida y seriada, sus partes, sus fragmentos replicantes tienen condicionada su labor, su función. No determinan-no definen.
Tosa producción industrial seria masivamente en torno a sus progresiones numéricas, una suerte de neoplacia distributiva, pero este material fatigable, desechable finalmente comienza a constituir, en primera instancia esta agrupación modular, simétrica, prolifera y estadual constituye desligada de toda función una acumulación pensando esta como atiborramiento o en casos hacinamiento si hablamos de seres vivientes, donde las posibilidades de definición de características que completamente sesgada, no podemos definir diferencia, no podemos catalogar, no existe noción de individuo. Una forma reproductiva viral que constituye acontecimiento en todas las disciplinas, existe una merma material un desecho colectivo, un acto repetitivo en las ideas, el hacer y en lo concreto. Donde se sitúa tal material, existe una lógica en la degeneración del producto?

Los seriales concuerdan con los sistemas de organización, extensiones de las formas de poder y localización, estratificados bajo ejercicios básicos de clasificación, ordenamientos por tipo, color, forma, materialidad, textura, función etc. Esta lógica errática que proponen en el proyecto instalacional REPLICA, determina el caos y la diferencia dentro de este universo homogéneo de artefactos y acontecimientos – LO INDISTINTO – se desata solo en una mirada critica del devenir histórico, bajo la función contemporánea del arte que sobrepone a los sistemas y las redes sociales de uso una des-marcación que lo sitúa en un terreno de absoluta fragilidad, en la emergencia de ver y hacer algo con el baldío que sobresee a las ciudades, a las personas y a las cosas.
En ocasiones a los mismos parámetros de la producción sensible, ejerciendo los mismos conceptos de meta producción y replica a la cultura del recorte, en su reproducción sistemática que podríamos entender como un manierismo aprehendido donde la acumulación del sin sentido se constituye en material procesable, lugar que sin duda alberga mas espacios indescifrados donde configurar algo.

La acumulación en su progresión carece de obstáculos objetivos.

“Sin duda nuestro tiempo... prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, la representación a la realidad, la apariencia al ser... lo que es 'sagrado' para él no es sino la ilusión, pero lo que es profano es la verdad. Mejor aún: lo sagrado aumenta a sus ojos a medida que disminuye la verdad y crece la ilusión, hasta el punto de que el colmo de la ilusión es también para él el colmo de lo sagrado."

Texto para exposición de Alejandro Ortega
Galería Apech - 2009

VHB

2009-09-18T15:59:00.000-07:00

BELLEZA ETERNA

Cuando le quebraron el pecho, el esófago estaba tan agujereado.
Por fin, en una pérgola bajo el diafragma
hallaron un nido de pequeñas ratas.
Una hermanita yacía muerta.
Las otras se alimentaban del hígado y del riñón,
bebían la sangre fría y pasaron aquí una hermosa juventud.

Gottfried Benn

Desde la imagen que logra entumecer, se revitaliza y a la vez se mortifica la medula pictórica, las capas oleosas donde la teoría unge la practica en el redil histórico.
Estos retratos inertes desarticulan las partes lógicas y distales del sacrificio plástico, la obra provee de belleza a algo que se pervierte en una penumbra estética desprendida de su propia candidez, bajo la norma de una referencia borrascosa a lo doblemente eterno, sitiando desde la manipulación forense los sistemas y membranas que superpuestos ocultan perpetuidades, claramente dentro de la presencia barroca del oscuro temor.
Asociaciones performaticas que aluden no solo a una reimplantación cosmética del otro, del que ya no existe, sino de la propia insinuación erotizada que expele la imagen, el cuerpo de la imagen que sobrepasa su ejecución, su sistemática productiva para construir desde el residuo genético de la historia del arte un tercer cuerpo, invalido de emociones pero capturado en planos de contemplación silenciosos, profundos en el claroscuro que permite recobrar certeros placebos, mórbidas elucubraciones de su factura, extrañas dicotomías que interpelan la fijación de lo finito en la posible veracidad que eso existe o podría llegar a estar vivo, mas allá del horror que desplaza la mediatización clínica de los procesos configurada por colgajos vectoriales que la artista desprende y repone sin dejar huellas de su propio asombro, en una proyección de su piel envestida de materia virtual, versus su pasión y muerte como recurso de una dislocación subjetiva amparada en pedazos, metáforas e insinuaciones fisiognómicas que nos instalan en una avanzada modernidad sin lugar.
Este gesto de recuperación hace de la institución una tumba o un pabellón terminal, fragilizando toda posibilidad de creer en su acontecimiento final.
Contemplamos mórbidamente sus ojos cerrados.

Texto para catálogo de exposicion de Antonia Cruz

Galería ANIMAL - 2009

VHB